PAGO DE UNA DEUDA

Hola a los que seguís entrando en este blog a pesar de mi inactividad actual.
Esta mañana he tenido un rato para fisgar entre blogs y me he tropezado con una entrada publicada en Meridianos y solicitada por mi en su día, se trata de un post sobre Vermer que le sugerí a ELZO.
Es una delicia que quería compartir con todos vosotros y de paso dar publicidad a uno de los blogs que más me gusta en la red.
Y prometo volver algún día a reactivar mi etiqueta Arte.

Os dejo con un trailer de la joven de la perla:

DE COMO RENACER

Esta mañana he leído esto en la prensa, un tipo llamado Jasper Joffe vende todas las posesiones de su vida,este es su último proyecto artístico, si consigue vender todo recaudará 126 €, lo cual no es mucho, dado que el pollo es artista y que ha acumulado una cantidad de objetos de cierto valor, a los que se suman los producidos por el mismo y los estrictamente personales.

No penséis en Jasper como en un loco bohemio, o un artista desesperado por lograr notoriedad, lo cierto es que ya despuntaba como artista y que su obra tiene una calidad indiscutible.

Como podéis apreciar he etiquetado esta entrada también en "la cajita", y esto es por varios motivos, yo decidí caer por la pendiente de la heroína el 31 de agosto de 1997, que fue el día en que se ejecutó el desahucio de la casa familiar, en la que ya solo vivía yo, tenia entonces treinta años, pasé los siguientes tres años en un sueño narcótico, no quiero decir que fuese el primer día de mi adicción, pero fue el primer día en que me "abandoné a mi suerte".

Previamente a este día había desmontado la casa de una "familia desestructurada", la mía, y había trasladado las pertenencias de la vida de una familia de tres hijos al sótano de una amiga y a un apartamento que había alquilado con una loca y fugaz novia con la que compartía casa, sexo y poco mas.

En esa casa se instaló una familia de cinco miembros, y aproximadamente 23 años después salí yo solo por la puerta.

Si habéis leído la noticia del tal Jasper, él quiere renacer a sus 33 años de una mala experiencia, ¡bravo por Jasper!, él lo va ha hacer de una tacada, venderá todo por casi nada, y se quedará con lo puesto, y renacerá en apenas unos días de sus cenizas...y encima sacará un rédito intangible muy interesante para su condición de artista.

Yo ingresé en proyecto Hombre con treinta años, tardé en hacer el camino de Jasper tres largos años, en los cuales vendí por casi nada, en eso nos parecemos, muebles, cuadros, discos, libros y todo lo que tenía cualquier valor por bajo que fuese del bagaje de aquella casa que un día me imaginé sellada en hormigón. Pero yo me lo metí por la vena y él único rédito que saqué fueron algunas piezas dentales menos, 79 kilos de peso y el susto de todos los que me querían.

Y a los 33 renací de mis cenizas.

ALTER EGO

Creo que es bueno tener un alter ego, un personaje capaz de catalizar experiencias y actitudes soñadas y tal vez irrealizables. Los más grandes se lo fabrican a su medida y lo desarrollan, y crean literatura, pintura, música...

Los más modestos nos conformamos con tomar lo que otros han creado y adptarlo a la medida de nuestros sueños.

Como todos los que me leéis sabéis que el alter ego elegido para mi en la red es el corto Maltes, y lo es porque tiene una mezcla irresistible, Hugo Pratt creó un personaje a la medida de mis sueños, valiente, sensible, galante, independiente, aventurero, seductor... y altruista.

Os dejo con un trailer de una de mis películas.

"Cuando un adulto entra en el mundo de los cuentos es para siempre..."

SITUACIÓN ECONÓMICA

El acertijo es el siguiente:

En vista de las imágenes, ¿donde está la pasta?

ELLAS

Paula rego
Es una pintora portuguesa que muestra una nueva mujer, potente, transcendente, diferente. Son mujeres no supeditadas, con una anatomía diferente y diferenciadora, no se contraponen, viven sus contradicciones y sus angustias, son carnales y corpóreas.

En esta pintora se pueden rastrear influencias de frida Kalo, de Bacon ,de freud, de Hopper , y si me apuráis hasta de Ver Meer.

Pero sobre todo creo que es una precursora de tendencias actuales sobre artistas posteriores, mujeres que están consiguiendo una anatomía propia de Arte, sin ir a remolque de nada ni de nadie.

Y como referencia es citada por Sarah Lucas.








Sarah Lucas es en lo formal mucho más agresiva que su influencia reconocida, pero si buceáis podréis ver que en el primer cuadro de Rego, que abre el post, ya esta apuntado gran parte del universo de sarah, pero el lenguaje también cuenta y ella va más allá, sin límites, con arrogancia, ella ya no reinventa plásticamente influencias creando nuevas miradas, las exige.

Exige su sitio, exige el sitio de las mujeres, pero con un espacio nuevo, no se trata de ser remedos de hombres más o menos interesantes, con un plus de agresividad nos dice que las mujeres también tienen derecho a ser una "hijas de puta".

Ella pertenece a uno de los últimos movimientos del arte en Londres los "Young Brithis Artists" y es la principal culpable de la llegada de la última sensación entre las Artistas femeninas,Tracey Emin







Tracey es la actual sensación, fue rescatada de una muy turbulenta adolescencia por el arte y por su mentora, ofrece una visión más femenina de estas tendencias, sin renunciar ni un milímetro a la independencia. La última obra que cuelgo sobre estas lineas es su propia cama, en la que esta su código genético y el de sus amantes, el escandalo está servido, vida propia como obra, promiscuidad como obra, provocación con la masculina costumbre de las muescas en el revolver.



Y por último, se cierra el circulo, Tracey Emin como Frida.


Dedicado a Irreverens y a bolero (se que os gustaran)

INTENCIÓN

Fotografía de Man Ray de la chimenea


Hoy me he vuelto a encontrar un articulo en la prensa que me ha hecho reflexionar sobre el Arte y los Artistas. Está dedicado a una supuesta obra encontrada en un apartamento de Cadaques, una chimenea que diseñó Marcel Duchamp, digo lo de supuesta no por que no me crea que el autor de esta chimenea fuese Duchamp, cosa que parece probada, si no porque creo que no todo lo que produce un Artista es una obra de Arte.

¿Que es lo que hace que una obra de un Artista sea una obra de Arte?, pues para mi es fundamental LA INTENCIÓN.

En una ocasión hablando de Modigliani con mi amigo Pedro (Pedro es Escultor) se suscitó este tema, la conversación iba por los derroteros de los Artistas como personas, paralelamente a sus vidas como Artistas. Yo sostenía que la vida privada de un Artista no tenía porque influir en su vida de Artista, y puse el triste ejemplo de Modigliani, como ejemplo de grandioso Artista con una vida de maldito, de Bohemio, que "a pesar" de esta vida logró sacar a delante una de las producciones de Arte más notables del siglo XX. Pedro no estaba de acuerdo conmigo, el sostenía que un Artista y todas las facetas de su vida forman parte de un todo del Artista, y que Modigliani fue lo que fue, he hizo lo que hizo "debido a" su vida. Acabamos la noche a gritos, a pesar de que tanto él como yo tenemos buen carácter y casi nunca nos enfadamos.

Tardé unos días en entender lo que mi amigo quería decirme, pero al final lo vi claro, él tenia razón, tal vez por estar dentro de ese selecto grupo de los que crean Arte. Los Artistas son Artistas a tiempo completo, y todo lo que hacen lo hacen desde esa forma de mirar el mundo. Así que proseguimos la discusión donde la habíamos dejado y fue entonces cuando apareció el concepto de la Intención, puesto que yo le pregunté que dado que él no se puede estar quieto y está todo el día haciendo cosas, creativas y de las otras, y dado que un Artista lo es a tiempo completo, que parte de su producción era arte y que parte era otra cosa. Después de dar un par de vueltas apareció el concepto brillante y pulido en la conversación, LA INTENCIÓN.

En otra ocasión visité con él la exposición de Picasso, enseguida me di cuenta de que los dos veíamos exposiciones distintas, yo miraba como expectador, desde lejos viendo las obras como un todo, maravillado por el genio, él las miraba con otros ojos, también maravillados, pero el miraba desde muy cerca las obras y se fijaba en aspectos técnicos de como estaban ejecutadas las obras, el decía que lo que más le llamaba la atención en lo que veía es que Picasso no dudaba, que su trazo era firme y que parecía que sabia en todo momento lo que hacia. Yo me sabia muchísimas más chorradas que él sobre la vida y obra de Picasso, sin embargo él entendía una obra de Arte como yo nunca podré hacerlo, veía cosas que a mi me están vedadas. A Pedro lo que más le gustó fue una secuencia fotográfica de la creación del Guernica, yo en una visita anterior que había hecho a esa exposición a penas me fijé en esto.

En definitiva, creo firmemente que no todo lo que hace un Artista es Arte, y que solo lo que este Artista reviste de intención, de la intención de crear algo excepcional. Otra cosa es que los profanos y los codiciosos querrán transformar en dinero todo lo que estos grandes Artistas tocaron.

Esta Chimenea en realidad es fruto de la creatividad de Duchamp, pero sospecho que no es Arte.

Dedicado a Nani y a Diana, que también están en estas conversaciones.

ART BRUT

"Término acuñado en 1945 por Jean Dubuffet para referirse al arte creado por personas ajenas al mundo artístico que no poseen ninguna formación académica. Sus obras son el reflejo de una creatividad pura, sin contaminar por la imitación de modelos ya establecidos. Dubuffet afirma que todos llevamos un potencial creativo que las normas sociales anulan. Esto se observa en las creaciones de personas que se mantienen al margen de la sociedad, tales como: internos de hospitales psiquiátricos, autodidactas, inadaptados o ancianos. Desde 1945 Dubuffet recoge estas obras fundando en 1948 la "Compagnie d´Art Brut" junto a Breton, M. Tapié y otros. La colección formada llega a las 5.000 obras, que se exponen por primera vez en 1967 en el Musée des Arts Decoratifs de París, instalándose definitivamente en 1976 en el Château de Beaulieu de Lausana. La colección está formada en su mayoría por obras de enfermos psiquiátricos, especialmente esquizofrénicos; pese a ello, Dubuffet rechazó siempre la idea de arte psiquiátrico afirmando que "no existe un arte de los locos". El art brut constituye un aspecto fundamental del primitivismo asumido a lo largo de todo el siglo XX por ciertos artistas que permanecen al margen de la modernidad." El texto esta sacado de una web de Arte, es una web que te informa de todas las exposiciones oficiales que se realizan en el mundo, y además incluyen información comprimida de autores y movimientos. Existe una creencia extendida de que los Artistas plásticos están un poco locos o que son unos Bohemios, se ponen siempre los mismos ejemplos, van Gog, Modigliani,Caravaggio, Pollock... En realidad son muchísimos más los autores equilibrados en sus vidas privadas, pero claro eso no vende, no llama la atención. Yo a esto lo llamo la ley del ensayo-error, es decir cuando un suceso da como resultado algo convencional (por ejemplo un Artista equilibrado una buena obra) no es "reseñable" y por tanto no nos fijamos en este suceso como algo extraordinario. Sin embargo cuando el suceso conduce a un error, o a un resultado, o proceso no convencional (por ejemplo Van Gog pintando "noche estrellada" e ingresando en un psiquiátrico) pues si es reseñable, y sobre todo recordable.El resultado es esa sensación de que los Artistas deben ser "atípicos" es toda o parte de sus vidas. Si nos paramos a reflexionar sobre esto, ¿quién de todos nosotros no tiene peculiaridades en sus vidas? y no somos Artistas, pero si si lo somos, pues ¡voila!, peculiaridad servida en el anecdotario del universo Arte y Artistas. Con esto no pretendo decir que los Artistas son como todo el mundo, en realidad no lo son, tienen características que les alejan del comportamiento "normal", o entendido por "normal" dentro de la sociedad, pero de ahí a la leyenda de locura y lumpen o bohemia hay un largo camino. El Artista que le dio la vuelta a este razonamiento, y se empezó a investigar en lugar de a los Artistas locos ,a los locos que hacían algo artístico fue Jean Dubuffet.Tenéis unos ejemplos de su trabajo al principio del post, el fue uno de los precursores en el trabajo con nuevos materiales y en la investigación del Arte como algo que llevamos dentro por el mero hecho de ser Humanos. Personalmente es un Artista que me gusta mucho, fue un innovador, un investigador que supo evolucionar, fue pintor, escultor, promotor de nuevas ideas, trabajo con los materiales, las texturas, las ideas y abrió nuevos caminos, es este el tipo de autores los que me atraen y me gustan. Por último deciros que mi mujer, Diana, organizo en el colegio donde trabaja una exposición de pintura, los cuadros que colgó en esa exposición estaban realizados por alumnos y antiguos alumnos de educación especial de ese colegio. La mayoría de los cuadros estaban ejecutados con mayor o menor maestría, para mi solo tenían el merito de las dificultades de la persona que los había ejecutado. Todos menos dos, los pertenecientes a una alumna con síndrome de down, Marta Páramo Larrondo, estos dos cuadros son los que abren y cierran este post y creo que son un ejemplo de primer orden de lo que creo que hablo en este post. Son "la cresta de mi mano" y "vaca gris"

ARTE Y MARKETING

Esta mañana me he topado con un articulo muy interesante en el periódico sobre el arte visto por
David Galenson.

Galenson es un teórico de Marketing que ha creado un sistema alternativo al tradicional para valorar el Arte.

Propone un sencillo método para hacer una clasificación de las obras basándose en la cantidad de veces que salen en las ilustraciones de los libros de Arte.

Por cierto en esta lista el ready-made "Fuente" de Duchamp ocupa el quinto puesto. Y" las señoritas" el primero.

Galenson también ha creado una clasificación de tipos de artistas, los Conceptualistas y los experimentalistas.En este blog se explica mejor.

Y ha escrito un libro con sus teorías,"old Masters and Young Geniuses. The two Life cycles of Artistic Creativity", que desgraciadamente no encuentro traducido al castellano.

No podía dejar pasar la oportunidad de hablar de uno de los conflictos mayores en el mundo del Arte, tanto para entendidos como para profanos.

Yo entiendo el Arte como un producto, es posiblemente uno de los productos más excelsos que existen, pero es un producto fruto del trabajo del Hombre. Y sin embargo existe un prejuicio muy fuerte a calificarlo o ponerle precio.

Todos tenemos opinión sobre casi cualquier producto, y sabemos o sospechamos lo que vale, lo que cuesta, su calidad, su imagen, su accesibilidad, y casi nadie, incluso desconociéndolo casi todo del producto, se priva de etiquetar el mismo como "para mi", "no para mi", caro, barato, feo, bueno , bonito...

En Arte confluyen características que hacen que todos nos "abrochemos los machos" antes de opinar, el hecho de que tenga que pasar un tiempo para discernir la calidad de una obra o de un autor, también la cohorte de entendidos de todo pelo que solo recuerdan sus aciertos y nunca sus fallos, y que tiene un halo de exclusivismo iniciático.

Y de repente aparece este profesor a proponer un método sencillo y cuantificable para calificar el Arte, aunque se refiera al arte ya "consagrado", es una bofetada directa a la cara de muchos que se han acostumbrado a vivir muy bien de una actividad donde es muy difícil separar grano de paja.

Personalmente creo que este método no es el mejor, pero si es un apoyo para saber distinguir rápidamente el quien es quien y que es que en el mundo del Arte.

Por proponer una analogía, todos sabemos que El quijote es un gran libro y que el código Da Vinci es un libro mediocre, sin embargo también sabemos que los dos se han vendido muy bien y que uno desaparecerá de las librerías en unos años y el otro permanecerá por muchos años. Es decir no tenemos problema para aceptar el marketing en un arte como la Literatura, si embargo en el Arte...

En contra de lo que muchos creen el marketing es la ciencia que estudia los mercados, y que intentando comprenderlos ayuda a los productores y a los consumidores a hacer sus elecciones, sin embargo muchos piensan que solo se trata de trucos de mercachifles para engañar a los pobrecitos consumidores.

hay gente que se intenta aprovechar del marketing para dar "gato por liebre", pero os aseguro que es el propio mercado el que los pone en su sitio. Ya se trate de un refresco, un coche o una obra de Arte.

También tenemos una marcada tendencia a considerar solo Arte al top ten, es decir o hablamos de genios o nada.

Y no creáis que estais fuera de este mercado, mirad en vuestras paredes y decidme que es lo que veis, será muy difícil encontrar a uno solo de vosotros sin al menos una reproducción de una obra de Arte en vuestra casa.

PROVOCACIÓN

Los hermanos Jake y Dinos Chapman son los actuales reyes de la provocación. Lo cual no creáis que es cosa fácil, puesto que es un camino tenido por sencillo por muchos, pero en la actualidad y teniendo en cuenta la trayectoria de la provocación en la historia del Arte Contemporáneo, no es nada sencillo.

Estos Angelitos amenazaron siendo asistentes de Gilbert and George, para luego volar en "solitario". Sus piezas son pura provocación, pero no cualquier provocación ni a cualquier precio, estos disparan "con bala", sus esculturas maniquís niños con sexos en la cara, sus escenas de torturas copiando a Goya, su crítica feroz al consumismo con sus piezas donde abiertamente aparece Mc Donalds, angustia, muerte , destrucción y nada considerado como "sagrado".

Os pongo algunos ejemplos de todo esto en las fotos que acompañan este post, y os dejo una inquietante pregunta ¿realmente hay algo "sagrado"?

El último capitulo de su trayectoria es curiosamente el que más ha cabreado a algunos, han pintado encima de grabados de Goya.

Es fácil rastrear influencias en ellos, están Warhol, Dalí, Goya, kubrik, Rauschenberg...

Personalmente me inquietan, me revuelven, no se si tienen la proyección que se les presume, junto con Damien hirsch se les otorga la cresta de la ola en Reino Unido.

No es casualidad que les haya elegido, puesto que creo que Marcel Duschamp fue el principio y estos son, por ahora el final, del Arte como provocación, aunque los motivos de la provocación en uno y en los otros son muy distintos.

LAND ART

Andy Goldsworty es un Artista que me tiene enamorado desde que me lo descubrieron mis amigos Pedro y Nani, cuando en el trabajo estoy un poco estresado me tomo unos minutos para ver uno de sus vídeos en Youtube, y me deja como nuevo.

El Land Art es una disciplina relativamente nueva en el Arte moderno, aunque de algún modo esta emparentado con las primeras obras de Arte del ser Humano, las pinturas Rupestres, los Dolmenes, Las Taulas...

Este Artista tiene una difícil catalogación para mi, no se si llamarle Escultor, Pintor, poeta...

Está en activo, vive en Escocia, y su trabajo es efímero, no se expone en galerías, ni en museos, el se dedica a grabar en vídeo sus creaciones y luego las vende, consiguiendo una suerte de Arte realmente al alcance de cualquiera.

El frío, la naturaleza, el color, el momento,el agua, el aire, el Hombre son los elementos que usa, y lo que encuentra en ese medio son sus materiales.

No deja de sorprenderme que en realidad se puede hacer Arte con mayúsculas sin comprar nada, y sin vender casi nada.

Este es su catálogo por si queréis saber más.

















Dedicada a Ireverens, esa montañera.

READY-MADE

FUENTE



RUEDA DE BICICLETA



IN ADVANCED OF THE BROTHER ARM


Estos tres ejemplos de lo que Marcel Duchamp propuso a principios del sigloXX, y que luego se conocería como Ready-made. Son los más famosos ejemplos de su producción, sobre todo el Urinario de pared, de titulo "fuente".

Marcel Duchamp es un artista controvertido incluso hoy día, pero sin embargo su estela es una de las más potentes y duraderas en la historia del arte.

Solía decir: "Esto que he hecho ni sé lo que es, pero está lleno de significado",o "No estoy seguro en absoluto de que el concepto de ready-made no sea la idea más importante que haya producido mi obra"

En realidad (y dale), lo que a mi me impresiona más es que un hombre que se reconoció bajo el influjo, por ejemplo de Cezanne (o tal vez por eso), consiguiese salir de un París tan potente en corrientes indemne, sin acogerse a ninguna, y a pesar de tener una producción irregular y escasa supo entender de una manera nueva y revolucionaria el arte.

Con el llego el escandalo, puesto que su propuesta de Ready-made aún hoy levanta ampollas, con el llegó la posmodernidad, "ese todo vale" tan mal interpretado por muchos, pero que ha sido un camino muy bien aprovechado por unos pocos para avanzar más en cien años que la humanidad en siglos.

Y no quiero decir nada más sobre él, prefiero que me digais sin tapujos que os sugiere esto.

MI MADRID

Este era mi Madrid, estuve años enganchado a una señal de bus, pero todas las etapas afortunadamente se queman.

Durante más de diez años me acostaba cuando la ciudad despertaba, a veces echo de menos ese Madrid que nunca dormía y que al llegar el verano reventaba de color y calor.

Esta es una ciudad contradictoria, los que hemos nacido y crecido aquí sabemos que es una ciudad donde caben millones de ciudades.

He estado en las más altas y en las mas bajas cotas de esta ciudad, y nunca me canso de pasear por ella de noche.

Si pasáis por la puerta de Alcalá, fijaos en los impactos de los disparos de la guerra civil, si pasáis por la Cibeles, podéis buscar la rana que hay en el monumento, si pasáis por el lateral de los jardines del buen retiro y veis la escultura ecuestre del general Espartero, podréis contemplar como el vuelo de las crines del caballo y el gesto del general sosteniendo el sombrero hacen de esta estatua ecuestre un monumento con una gracia especial, no como la del Marques de Duero, en la que su cuarto trasero derecho está claramente desproporcionado.

En el retiro hay una escultura al ángel caído, en la cual se representa a un desgraciado cayendo de las alturas, y protegiéndose, no de lo que hay debajo, si no de lo que hay arriba.

Frente al palacio real hay un pequeño busto dedicado a Mariano José de Larra, que se pegó un tiro en esta ciudad, curiosamente es una de las esculturas más próximas al viaducto, el lugar de suicidio más castizo de la ciudad.

En el paseo de San Jerónimo están, flanqueando las puertas de las cortes, sus famosos Leones, fundidos con los cañones arrebatados al enemigo en la guerra de África en 1860, no se especifica a que enemigo.

En Madrid hay también una estatua dedicada a Rizal, el líder de la revolución Filipina, esta en la calle de Fuencarral esquina con islas filipinas, hubo un capitán de infantería que resistió un año encerrado en un cuartel los continuos ataques de los rebeldes, solo se rindió cuando el ministro de la guerra de entonces se lo pidió, y aún así puso reparos.

En la plaza de cascorro hay una estatua al héroe de la guerra de Cuba Eloy Gonzalo, este soldado se hizo famoso por haber contribuido a la caída de la ciudad de cascorro con el método de incendiar, con una lata de gasolina, un polvorín, el tipo se hizo atar una cuerda a la cintura para que recuperaran su cuerpo si no le salían bien las cosas, así está representado.

En el parque del Oeste hay un horroroso monumento a la memoria de mi admirado Miguel Hernandez, Miguel hernandez murió solo, de tuberculosis, en un sanatorio penitenciario, su cadáver no fue velado por nadie, paso la noche posterior a su muerte completamente solo, esas horas son las que más me duelen de la guerra, en el salón de mis abuelos había un soneto suyo enmarcado.

En la plaza del mismo nombre hay un monumento a Emilio Castelar, en un lateral hay dos tribunos romanos con sus togas, siempre que paso por allí no puedo evitar mirarlos, me encantan.

En el Museo del Prado hay una escultura de Leone Leoni que representa al emperador Carlos V, de titulo "Carlos V con el furor a sus pies", esta estatua tiene la curiosidad de que es desmontable, es decir se desmonta la armadura del emperador, y debajo esta el emperador en todo su esplendor. Esta es sin duda mi escultura favorita del Prado.

En la puerta del sol está la estatua del Oso y el Madroño, en realidad se debería llamar de la Osa y la Madroña, puesto que se trata de una osa con la constelación de las siete estrellas que todos conocemos en el lomo, de ahí las estrellas en la bandera de Madrid, y apoyada en lo que en los tiempos en que se forjó este mito era conocido como una madroña, los madroños eran los frutos de este árbol.

Perdonad si hay algún error en mi descripción, pero la he realizado de memoria y ya se sabe que la cabeza a veces nos juega malas pasadas, como aquella vez que me dio por subirme al monumento a la constitución, frente al museo de ciencias naturales, un cubo con una grada debajo a modo de escalinata y otra oculta arriba a modo de foro, ni me subí solo, ni hice honor a la constitución. O si, según se mire.

DOS DESAYUNOS Y UNA OLIMPIA

Desayuno de Monet

Desayuno de Cezanne

Una moderna Olimpia de Cezanne

Y pensareis ¿por qué no las metió en las progresiones del último post de arte? pues porque quiero servirme de estas "obras" menores de Monet y Cezanne para tratar de explicar como veo la progresión del lenguaje pictórico justo antes del siglo xx.


El primer desayuno tiene una accidentada historia como "pieza", Monet la pintó como su respuesta al desayuno en la hierba de Manet, que resultó un autentico escandalo y le dió un perfecto motivo para reividicarse, Monet que siempre fue muy ambicioso decidió dar más y mejor aprovechando la similitud de sus nombres.


Y pintó el este cuadro, que además realizó en unas dimensiones exageradas, pero esto lo hizo más porque no le relegasen a un rincón en el salón bienal de París, en donde a los "novatos" le colgaban los cuadros casi pegados a un techo de muchos metros de alto.


Pues resultó que Monet debía a su casero unos meses de alquiler, y le dejó este cuadro en prenda como pago de su deuda, lo recuperó años después con gran parte dañada, solo pudo salvar la parte central del mismo.


En definitiva no pudo colgarlo en el salón, pero compendia muy bien la filosofía de este joven pintor que pretendía "asaltar" el panorama pictórico de su época.


Pictóricamente es un compendio de intenciones de lo que luego sería su arte, y con el de buena parte de los Impresionistas, no hay que olvidar que fue un cuadro suyo el que le terminó dando nombre al grupo, "Impresión sol naciente"


En este cuadro se aprecian los fundamentos de la pintura impresionista, pintar al aire libre, pintar como si siempre fuera domingo, exaltando el momento y la luz, esa luz que fue el verdadero tema de Monet.


Y después..., pues después Cezanne, o mejor dicho a la vez, pero Cezanne no era precisamente un pintor que se pueda clasificar fácilmente, se le clasifica con los impresionistas por generación, pero en realidad yo creo que es un escalón entre los Impresionistas y los Faubistas


Cezanne, no se adapta al grupo, no acepta vivir en París y a pesar de tener puntos en común con los impresionistas, como el uso del color o pintar al aire libre, tiene una filosofía de la pintura muy distinta de los impresionistas.

En los cuadros de Cezanne la luz no es lo mas importante, el no quiere pintar un momento de luz y color que se "integre" en la retina del espectador. El aspira a crear un lenguaje, y yo creo que es aquí donde radica su principal mérito.


La intención es lo único que no le puede faltar a un artista plástico en la actualidad, y en parte se lo debemos a este pintor, que quería que la luz partiera de sus cuadros, que estos fueran un modelo de lo que quería trasmitir. No se conforma, y eso le hace pintar muy despacio, romper muchas telas y ser un eterno insatisfecho.


Si nos fijamos en estos dos cuadros, que por otra parte son temas tratados por coetáneos, veremos que a el ya no le interesa mostrar el tema como algo plásticamente esencial, lo que busca es el impacto intelectual que puede causar con los mismos. En ambos cuadros aparece el autor retratado, con una actitud distanciada, pero con un afán de transmitir su perplejidad ante el mundo.


Él usa el color, usa la luz, pero no pinta con el color y la luz, trata de que veamos lo que piensa sobre lo que ve.


Es uno de los primeros que crea un lenguaje que debemos descifrar para entenderle, y pone las bases a una revolución en la que aún estamos inmersos.


Por favor, mirad los tres cuadros y decidme "que veis".

EL PLAN

Esta semana he recibido un encargo muy especial para mi, uno de mis mejores amigos me llamó dandome una noticia estupenda, había conseguido que su proyecto fuese incluido en otro más amplio que se va a construir en Madrid, se trata de un proyecto escultórico incluido en un importante proyecto arquitectónico y urbanístico.

Mi amigo, como habréis podido deducir, es escultor. Desde que le eché la vista encima hace dieciocho años intuí que era un artista. Estoy seguro de que llegará muy lejos, y yo podre decir que fui el primero en haberle hecho un encargo, me decoró el primer bar de copas que tuve.

Hace tan solo unos meses, coincidiendo con mi aventura en el cyberespacio, le escribí una entrada para darle ánimo en horas bajas, la entrada se llamo PIEDRA Y POLVO

Él se llama Pedro y es escultor, tan solo con estas claves ya se entiende mejor la entrada.

El me dijo que realmente le había animado mi escrito, es de los primeros, y además en clave encriptada, con lo cual era difícil de comentar, de hecho no tiene ningún comentario.

Pues bueno, el encargo que me ha hecho es el de prepararle un plan de marketing.

A muchos os sonara raro, ¿un plan de marketing para un escultor?, pues si, creo que es muy buena idea por su parte el tener esta idea de "premeditar" sus pasos con respecto a su obra, y el que me haya elegido a mi para acometer este trabajo me llena de orgullo.

Llevo toda la semana pensando en el plan, en como lo voy a enfocar, como voy a encajar las políticas de marketing tradicionales en un producto, que es singular, que es especial en todos los aspectos por los que se mire.

Desmenuzar el sistema a emplear, para maximizar los recursos de la empresa y estar preparados para afrontar lo que venga y trabajar paralelamente en provocar que lo que venga sea bueno.

Estoy realmente excitado,¿ seré capaz de crear este plan y que sea lo suficientemente ambicioso, realista y completo para hacer subir a mi amigo a sus metas?

Y por último, aunar mi pasión y mi trabajo es un sueño que no me atrevo ni a pensar con detenimiento.

PROGRESIONES

Éstas son algunas de las "progresiones" más famosas de la historia del arte, he tomado como partida a Èdouart Manet, y lo he hecho porque fue un precursor a su pesar, él era un "niño rico" hijo de un alto funcionario y la hija de un embajador, "fracasó" en sus estudios y también en la corta carrera militar que emprendió, su tío le animo a desarrollar su habilidad como dibujante y acabó, a regañadientes de sus padres, en el registro de copistas del Louvre y en el taller del pintor académico Tomas Couture. A pesar de que, como era costumbre en la época, le intentaron convertir en un pintor académico, Manet pintó siempre como él quiso y sin ningún ánimo de revolución por su parte, terminó liderando la primera gran revolución pictórica del siglo veinte, la de los Impresionistas.

La primera progresión es "facilita", de dos cuadros, el primero es "la Venus de urbino" de Tiziano, Manet transforma esta Venus clásica en un auténtico escándalo, copia como hace en sus primeros años la composición de un gran maestro, pero lo transforma en el cuadro que vemos abajo, "Olimpia".

Ahora éste cuadro nos parece algo incluso de un buen gusto plástico envidiable, pero en su tiempo tuvieron que ponerle dos guardias para evitar los bastonazos de los visitantes al salón de los rechazados (dentro del salón de París, el emperador Napoleón III, mandó abrir un salón para los cuadros rechazados por el jurado del salón, puesto que el emperador consideró que el jurado era excesivamente riguroso).

Manet transforma una Venus en una "ramera", y lo hace "a conciencia", coloca a una criada negra (siguiendo la tradición clásica de odaliscas con esclava negra) sosteniendo el ramo que tal vez le ha enviado su "cliente", muestra a una adolescente (la modelo era amante de Manet y tenía diecisiete años) altiva, relajada y que muestra su desnudez con una naturalidad que tan sólo Goya (referente importantísimo en Manet) había antes mostrado en su "maja desnuda". Y no contento con esto añade un gato negro a los pies de la cama (transforma el perrito de la Venus de Tiziano en un gato negro erizado). Para la doble moral de la época fue un golpe que trajo consigo el escándalo.



La segunda "progresión" parte también de Manet, vuelve a copiar la composición, esta vez de Goya, de su "Fusilamientos del tres de Mayo", sabed que Goya pintó este cuadro y "la carga de los Mamelucos" siete años después de que ocurrieran los hechos y lo hizo para congraciarse con el nuevo rey Fernando VII.



Pues bien, Manet aquí también provoca el escándalo, su cuadro también es rechazado, en esta ocasión más por motivos políticos, elige un tema espinoso, pero siguiendo "en su linea" incluye elementos muy interesantes en el cuadro como son las superposiciones de planos.

En un primer plano pone a los soldados, y utiliza la técnica de "naipe" tomada de Velazquez, técnica consistente en hacer "flotar" las figuras con una leve sombra sobre una superficie de color, sin añadir la linea del suelo como tal. Esta técnica llega a su esplendor en Manet en "el pífano" y en Velázquez en "Pablo de Valladolid",también parece importarle muy poco que su pelotón apunte hacia otro lado, si se observa bien los soldados no apuntan a los fusilados.

El segundo plano está ocupado por unos curiosos que asoman por detrás del paredón, aquí se ve otra vez la influencia de Goya y su costumbre de poner al pueblo a mirar los acontecimientos (en su pintura taurina por ejemplo).

Y en último plano un paisaje "impresionista", todo esto le da al cuadro una gran profundidad, pero también una sensación onírica, que a mi entender refuerza el trasfondo político del cuadro, no hay que olvidar que la aventura de intentar poner a nada menos que un emperador en Méjico, tiene algo de "sueño".



Y aquí esta el tercer cuadro de esta "progresión", se trata de "Masacre en Corea" de Pablo Picasso. Picasso admira a Manet y le hace un homenaje, pero no se limita a transformar a la "picassiana" su tema, sino que le hace un guiño político, elige un conflicto actual y lo sublima, tal como hizo Manet en su cuadro.




La "Progresión" que sigue es la más famosa, o una de las más famosas de la historia del arte. Empieza en Rafael y termina en Picasso, y tiene su epicentro, como no, en Manet.

Pondremos una fecha exacta al inicio, en 1863 en el salón de París (salón que era el principal mercado y escaparate de arte en la Francia del segundo imperio) hubo un numero inusitado de cuadros rechazados y un clamor de protestas de artistas. Esto "obligó" a la creación del "salon des refusés" (salón de los rechazados). Pues bien, el cuadro de Manet "Desayuno sobre la hierba" fue la indiscutible estrella de este salón "alternativo".




Otra vez y como era acostumbrado en Manet toma prestados tema y composición de dos grandes, del "Juicio de París" de Rafael y de "El almuerzo campestre" de Tiziano, es muy fácil apreciar esta copia de la composición y tema tan solo viendo los dos cuadros.




No obstante no debemos reprocharle esto a Manet, puesto que ¿quién no ha tenido referentes más o menos potentes en su obra? Y Manet se limita a "robar" ideas y composiciones, pero en estilo pictórico es un auténtico revolucionario, imprimiendo a su pintura una verdad y despojándola de velos y artificios propios del estilo academicista imperante.




Es en esto, en el estilo donde destaca y escandaliza. Todavía recuerdo la primera vez que siendo un niño vi una reproducción de este cuadro, me choco muchísimo el ver a dos hombres vestidos en el campo,¡sentados "a la mesa" con unas señoras desnudas! y porqué negarlo "me excitó", en aquel entonces no podía racionalizar cómo ahora el porqué de este cuadro, pero yo había visto un montón de cuadros con señoras desnudas, Venus, escenas bíblicas... sin embargo este cuadro me impactó, por lo directo de la escena.




Ahora se que a Manet "se la traía al pairo" el el hecho moralmente escandaloso, el necesitaba esa composición y ese tema para avanzar en su obra, necesitaba el contraste de la carne blanca con el oscuro de los ropajes de ellos, y enmarcarlo todo en un paisaje al aire libre (aunque el cuadro fue pintado en estudio, bajo techo, y no al aire libre como poco después exigirían los impresionistas como "marca de calidad").

Por último llegamos a Picasso, que en la recta final de su carrera nos vuelve a sorprender con algo nuevo (este tío era un Titán, un pintor normal tiene apenas un par de "revelaciones" en su vida artística, Picasso tuvo diez o doce), su gusto por las series.

Picasso, como hizo Manet, conserva los rasgos fundamentales de la obra clásica, pero "se trae" dos de sus motivos, el pintor, fumando, y la confrontación del artista, vestido, y la persona que le sirve de modelo, desnuda. En definitiva hace como hizo Manet, toma prestados tema y composición para sus fines.







Aprovecho este post para agradecer a Banderas el que me haya dado un premio, y le pido disculpas por no haberlo colgado antes en mi blog, pero quería hacer un post "a la altura", para colgar este premio; perdóname también que no siga las instrucciones del premio concediéndolo yo a mi vez a otros, pero es una tarea que me requiere un tiempo que no tengo.